Scheda film  

• Jeremy Renner: sergente William James
• Anthony Mackie: sergente JT Sanborn
• Brian Geraghty: specialista Owen Eldridge
• Ralph Fiennes: capo squadra
• Guy Pearce: sergente Matt Thompson
• David Morse: colonnello Reed
• Evangeline Lilly: Connie James
• Christian Camargo: colonnello John Cambridge

• Pasquale Anselmo: sergente William James
• Gianluca Tusco: sergente JT Sanborn
• Luigi Ferraro: specialista Owen Eldridge
• Saverio Indrio: capo squadra
• Francesco Prando: sergente Matt Thompson
• Roberto Stocchi: colonnello Reed
• Ilaria Stagni: Connie James
• Franco Mannella: colonnello John Cambridge

“Sherlock Jr.”, insieme al successivo “The Cameraman (Io…e la scimmia)”, entrambi del 1924, è il film di Keaton che mette in scena una tra le più intelligenti riflessioni sul cinema, tanti anni prima di Godard e Antonioni, mostrandoci tutta la povertà ideologica della società e del cinema americano.

Sintetizzando, possiamo esaminare come nocciolo esegetico del film la famosa sequenza nella quale Buster si addormenta, sdoppiandosi, mentre la sua immagine onirica entra nello schermo: realizzata attraverso una grande precisione tecnica, tale sequenza evidenzia come la tecnica non sia fine a se stessa, ma bensì rappresenti l’essenza stessa del cinematografo, attraverso un inganno tacitamente accordato dallo spettatore nei confronti dell’opera cinematografica, come riportato nel “Castorino” di Giorgio Cremonini e Franco La Polla dedicato a Keaton: “lo spettacolo, come il sogno, è ingresso propriamente fisico in un mondo costruito a imitazione del nostro, ingannevole perché inimitabile…così, il cinema è la follia dove tutto è attuabile, la possibilità assoluta, totale, laddove la realtà imiti il cinema!”.

D’altronde già René Clair affermò che “Sherlock Jr.” costituiva per il cinema ciò che i “Sei personaggi” in cerca d’autore di Pirandello rappresentava per il teatro, mentre il grande critico francese Robert Benayoun paragonò giustamente il cineasta a Kafka, Hawthorne, Melville e Poe. La sequenza sopracitata in effetti trasporta Keaton (regista/attore/personaggio) in un mondo trasparente e sfuggente, un mondo costruito da sogni, specchi, incubi, fantasie, doppi, come il mondo di “Alice nel paese delle meraviglie” e “Alice attraverso lo specchio e quel che vi trovò” di Lewis Carroll, e proprio come l’Alice carrolliana, Keaton, con il suo volto così impassibile da risultare una maschera (apparentemente inespressiva, ma in realtà espressione profonda della condizione umana nella società contemporanea, tanto quanto “L’uomo della folla di Poe” o il Signor K. del “Processo” kafkiano) non avrà nessuna reazione, nessun apparente sentimento, nulla: entrerà in questo universo con tutta la sua purezza e la sua ingenua sincerità.

Buster Keaton, più di Chaplin e più di chiunque altro, ha rappresentato a fondo l’essere umano del secolo appena trascorso e, nello stesso tempo, è stato il riflesso di quello del III° millennio: l’uomo-macchina. Con il suo corpo dagli scatti meccanici, con partenze a razzo e frenate improvvise e assurde da concepire per qualsiasi altro essere umano contrapposte al suo volto così vacuo eppur così tragicamente umano (specchio delle sofferenze e delle speranze degli individui), incarna la lotta quotidiana di ogni essere umano contro gli oggetti e il ritmo frenetico della vita moderna (le macchine e i computer), che altro non sono che un moderno fastidio in relazione all’antica ed equivalente lotta dell’uomo contro gli elementi della natura.

In maniera appropriata Goffredo Fofi nel suo libro dedicato ai maestri del cinema, “Come in uno specchio”, osserva: “A questa irrazionalità del mondo Keaton reagisce con la razionalità dello stile, e di qui nasce la sua ineguagliabile originalità cinematografica. Tutto è funzionale, perché nulla, dentro lo schermo, sembra esserlo.”
Quell’ineguagliabile originalità cinematografica espressa da Keaton (attore/corpo — regista/essere umano), oggi appare sempre più chiara sotto la coltre della comicità nuda e cruda, rivelandosi come una delle più alte espressioni che il cinema abbia dato della condizione umana nell’epoca industriale, presagendo il suo sviluppo nell’epoca tecnologica-digitale. Fu probabilmente anche perciò che Samuel Beckett nel 1965 volle come interprete del suo “Film”, diretto da Alan Schneider, dove Keaton nella sua vecchiaia riuscì a esprimere il massimo della sintesi e dell’analisi di tutta la sua arte, ovvero il suo essere Arte!
Grazie, Buster Keaton.

da: Carmilla -www.carmillaonline.com

• Buster Keaton: il proiezionista / Sherlock Jr.
• Kathryn McGuire: la ragazza
• Joe Keaton: il padre della ragazza
• Erwin Connelly: tuttofare / il ladro
• Ward Crane: lo "Sceicco" / il malfattore
• Ford West: il gestore del cinema / Gillette

La commedia slapstick è un’arte che non ha trovato incarnazioni importanti nel cinema contemporaneo, oggi la si può vedere in alcune gag fisiche (la proverbiale buccia di banana) relegate a film di serie b o cartoni animati. Eppure l’eredità che ha lasciato è enorme e le commedie mute sono una miniera d’oro per chi volesse trarne ispirazione. Il problema è che quella della commedia muta è un’arte priva di parola che ebbe seguito solo in pochissimi show (Benny Hill ad esempio). Essa morì con l’arrivo del sonoro, proprio come la carriera del suo più grande esponente, Buster Keaton.

La fisicità di Keaton non ha eguali nel cinema, così come la sua capacità di performare acrobazie rischiose rimanendo impassibile in volto. Nei suoi film compaiono spesso macchinari tecnologici e veicoli coi quali il comico ha un rapporto conflittuale, essi si ribellano a Keaton e lo tradiscono scatenando gran parte delle gag (La casa elettrica ad esempio, ma anche il cavalletto di Il Cameraman), ma nessuna macchina è più rappresentativa della locomotiva di Come vinsi la guerra, che dà titolo al film (The General nella versione inglese). Essa è una fonte infinita di sketch comici e diviene il pretesto per realizzare riprese spettacolari quanto rischiose.

La slapstick comedy è un genere che non invecchia mai e non è un caso: immagini come quelle di Come vinsi la guerra sono ancora impareggiate nel cinema. I personaggi del film sono funzioni narrative semplici e spassose e la trama un pretesto per il crescendo di gag. Siamo nel mezzo della guerra civile americana e il ferroviere Johnnie Gray vuole arruolarsi nel fronte sudista perché la sua fidanzata Annabelle adora i soldati. È rifiutato perché considerato più utile come ferroviere che come soldato. Johnnie fa la figura del codardo con Annabelle e con la sua famiglia ma ha la possibilità di riscattarsi quando un gruppo di soldati nordisti ruba la sua locomotiva sulla quale si trova proprio la sua (ormai ex) fidanzata. Johnnie parte all’inseguimento, altro momento topico della commedia muta. Infatti, Come vinsi la guerra è un lunghissimo inseguimento sui binari con scambio di ruoli a metà: prima Johnnie insegue i nordisti e poi, una volta riconquistata la locomotiva e la donna, fugge verso il sud coi soldati nemici alle spalle.

Assistiamo a una corsa lunghissima e rocambolesca che porta alla spettacolare conclusione, l’esplosione del ponte sul fiume col treno nemico che cade in acqua, un momento di cinema puro, citato in diversi kolossal (Il ponte sul fiuma Kway su tutti). Come vinsi la guerra è una lezione di fotogenia e di cinema che non sente il bisogno della parola, bastano quattro cartelli e il volto ilare di Buster Keaton per dire tutto.

da: Media Critica - www.mediacritica.it

• Buster Keaton: Johnnie Gray
• Marion Mack: Annabelle Lee
• Charles Smith: Padre di Annabelle
• Frank Barnes: Fratello di Annabelle
• Glen Cavender: Capitano Anderson

Questa pellicola rappresenta forse il film più bello del regista svedese Sjöström, uno dei tanti che non sopravviverà al passaggio al sonoro ma che  avrà modo di essere ricordato per un’importante interpretazione (all’età di 78 anni) ne “il posto delle fragole” di Bergman. Altrove ho visto il titolo tradotto con “Colui che…” ma forse è uno dei tanti casi in cui la trasposizione in un’altra lingua non rende merito all’originale. La storia è tratta dall’omonima opera di Leonid Andreyev, autore teatrale che aveva lottato per la Rivoluzione Russa, ma che non aveva mancato di rendere nota la sua avversione ai bolscevichi. Per questi dissidi politici era stato costretto a scappare in Finalndia, dove si suiciderà nel 1919.

da: https://emutofu.com - E muto fu - Viaggio attraverso il cinema muto

• Lon Chaney: He Who Gets Slapped
• Norma Shearer: Consuelo
• John Gilbert: Bezano
• Ruth King: la moglie di He
• Marc MacDermott: Barone Regnard
• Ford Sterling: Tricaud, un clown
• Tully Marshall: Conte Mancini
• Edward Arnold:
• Bartine Burkett
• Harvey Clarke: Briquet
• Clyde Cook: un clown
• Carrie Daumery:
• George Davis: un clown
• Paulette Duval: Zinida
• Joseph Hazelton:
• Brandon Hurst: un clown
• Bela Lugosi: comparsa, un clown (non confermato)
• Mike Ragan
• Erik Stocklassa: Ringmaster (non accreditato)